La muerte del artista, es la satisfacción (2ª parte)

Es como un cantante, si no siente lo que esta cantando, entonces a mi no me llega, no me emociona. Prefiero un cantante que me emocione a que tenga una técnica perfecta. Con las obras de arte pasa lo mismo. Yo quiero emoción, quiero que al ver una obra me quede ahí enganchada, que no pueda apartar mis ojos de ella, que empiece a escudriñar cada centímetro de esa obra, para aprender, para disfrutar.

Entonces a mi modo de ver, la técnica perfecta, es la que queda discretamente en segundo plano, donde el artista no ha alardeado de ella, donde la ha puesto al servicio de sus emociones, de la pasión.

El artista siempre tiene que estar aprendiendo lo que no sabe y en el arte nunca se sabe lo suficiente, ni los grandes maestros saben lo suficiente, si preguntáramos a nuestros artistas mas reconocidos, esos a los que todos admiramos, nos dirían que cada día se enfrentan a nuevos retos en sus obras y que su nivel de satisfacción por esos trabajos acabados no es tan alto como pensamos.

Por otra parte, cuando nuestro grado de insatisfacción nos sobrepasa, nos paraliza y no somos capaces de continuar, tenemos que echar mano de la humildad. El equilibrio es necesario para seguir en la acción. No podemos poner el carro delante de los bueyes. Vayamos haciendo nuestro camino, poniéndonos retos que estén a nuestro alcance, según nuestra capacidad. La mayor superación es superarnos a nosotros mismos, pero con paciencia. En el arte las cosas ocurren muy despacio, porque tal como he dicho mas arriba, en nuestro trabajo ponemos mucho de pasión, de emociones, de vivencias, entonces todo eso tiene que ir escanciándose para luego volcarlo en nuestras obras.

La muerte del artista, es la satisfacción (1ª parte)

La insatisfacción es lo mejor que le puede ocurrir a un artista, esa incomodidad de no poder controlar el todo, eso es lo mejor, eso nos espolea a ir en busca de la perfección, y esta como ya sabemos no existe, asi que es una lucha infructuosa, perdida de antemano, pero muy beneficiosa para el artista, porque en ese proceso o camino es donde va aprendiendo, superando las dificultades y encontrando pequeñas satisfacciones.

Casi siempre la satisfacción, la veo, en gente que empieza, precisamente porque aun no han entrado a fondo en la materia, las dificultades vienen luego cuando ya nos metemos en harina y realmente nos damos cuenta de la complejidad de una obra, de todos los parámetros que hay que manejar. Digo esto porque a veces la satisfacción viene solo por saber manejar más o menos bien una técnica.

Entonces si un artista esta cómodo, satisfecho con lo que esta haciendo, le deberían saltar las alarmas, porque eso quiere decir que no se esta enfrentando a ningún reto, que ya tiene la lección aprendida, que ya todo es coser y cantar, domina su técnica, esta instalado en la rutina y ahí es cuando le ha bajado el nivel de pasión, (sin pasión, nuestras obras no transmiten nada al espectador) . Mal asunto ese.

Para mi es muy importante la pasión, tiene que estar en las obras en un porcentaje muy alto, luego vienen los otros ingredientes, pero ese no puede faltar.

Campos verdaderos

Como estimular nuestro lado creativo (2ª parte)

Siguiendo con el hilo de la primera parte, cuando hablaba de la asociación de ideas, de aprovechar lo hecho anteriormente, a mi me encanta cuando voy a ver una exposición, ver los detalles que diferencian a unas obras de otras. Eso se ve perfectamente en una serie cohesionada, donde hay una idea principal y sus variantes. Unas obras se enriquecen con otras.

Cuando uno empieza a pintar, parece que cada cuadro lo ha pintado un pintor diferente. Yo misma tenia un montón de lineas de trabajo. Es lógico, al principio no se sabe con que se siente uno cómodo, o lo que nos gusta y se va probando en diferentes direcciones. Luego nos centramos y nos gusta desarrollar una idea en series. No a todo el mundo, ¡claro!.

Con respecto a lo que decía en la primera parte sobre lo paralizante que puede ser no tener ideas. Es bueno pasar a la acción haciendo lo que nos surja. No se trata de hacer una obra definitiva, sino de hacer. Lo importante es ponernos en marcha.

Decía Degas algo así como: solo cuando el pintor no sabe lo que esta haciendo, es cuando hace las mejores cosas.

La intuición sabe mas que nosotros, dejémonos llevar por ella. Cuando estamos pintando y no nos salen las cosas y decimos desesperados "que perdido estoy", ahí en ese momento es cuando empieza lo interesante. Si estamos pintando un cuadro que nos parece irrecuperable de malo que es, hay que seguir trabajando en el, y puede que el resultado nos sorprenda gratamente.

Como estimular nuestro lado creativo (1ª parte)

Hay momentos en que la falta de ideas nos lleva al desánimo. En esa situación algunos optan por no hacer nada, esperando mejores tiempos, o esperando quizás algo que les inspire, que les saque de ese bloqueo mental.

Esos periodos de sequía intelectual, los hemos pasado casi todos los que nos dedicamos al arte. A algunos les duran mas tiempo, a otros menos, depende de la persona, puede durar meses y hasta años.

¿Que hacer en esos momentos cuando las ideas no fluyen como quisiéramos?

¿Que hacer cuando vamos al Estudio, dispuestos a pintar pero no sabemos por donde empezar?

¿Como estimular nuestro lado creativo?

Bueno, voy a explicar lo que me ha servido a mi.

En una ocasión llevaba varios meses sin pintar y no sabía como volver a retomar la pintura. Todas las ideas que se me ocurrían, las desechaba por no parecerme válidas. Le daba vueltas a la cabeza a ver si me surgía alguna línea a seguir y nada. Entonces decidí empezar por lo que me parecía mas difícil, pensando (esa es una vieja teoría mía) que si hacia lo mas difícil, luego lo mas fácil vendría de manera fluida. Los que me conocéis sabéis que suelo pintar mas sobre lienzo que sobre papel. Pues bien me pareció que empezar haciendo grabados monotipos sobre papel, seria lo más adecuado para el momento, por la dificultad que supone para mi.

Antes de empezar con los monotipos y en los primeros momentos sentía mucha ansiedad, que se fue calmando conforme fui desarrollando la idea central y pasando a la acción. La idea, el tema que se me ocurrió contestaba a mi pregunta de ¿que es lo que mas me gusta? y la respuesta fue, me encanta el románico y los libros iluminados. Y así elegí el tema.

Después de esa serie de 14 monotipos, inmediatamente pase a pintar sobre lienzo y tal como supuse , me fue mas fácil, porque ya había un hilo conductor, era una continuación de la otra serie, donde ya de antemano había resuelto los problemas, y se habia estimulado mi creatividad, de manera que ya no quería parar de pintar. Tenía que sacar todas esas ideas que bullian en mi mente.

¿Que es lo que me sirvió en la segunda serie sobre lienzo? Pues lo que se llama asociación de ideas. De una idea principal, pueden surgir muchas ideas, hasta el infinito. Aprovechar lo que ya tenemos. No despreciar lo hecho anteriormente. Se trata de hacer combinaciones, acortar, alargar, cambiar los colores, etc.

Leía un día a Luis Gordillo que decía algo así como, que cuando tiene periodos de sequía, sigue pintando y si le salen cuadros malos, no los tira, porque luego con el tiempo se ha dado cuenta de que algunos no eran tan malos.

También leí un texto donde hablaban que para estimular la creatividad, es bueno mirar revistas que habitualmente no se nos ocurriría mirar, por no ser de nuestro interés. Por ejemplo una revista científica o de motos, etc. si no somos científicos ni moteros.

El Arte y los mundos personales

Hace años, en 1997, leí una frase en una revista que me impactó y que hice mía al instante. La escribí en un folio con letras de molde grandes y la tenía siempre a la vista. Hoy rebuscando entre los papeles la he encontrado y la quiero compartir aquí con vosotros, porque me parece esencial.

En ese momento que llegó la frase hasta mí, yo estaba pintando como una posesa y había tomado la determinación de dedicarme al arte por encima de cualquier otra cosa. Ya quería dejar atrás mi tendencia a la dispersión, nos pasa a los que somos curiosos por naturaleza, y centrarme en lo que me gustaba, La Pintura. Fueron tres años febríles, donde hacía el horario de un oficinista y más. Me levantaba y a pintar y me acostaba pintando. Sabía que tenía mucho camino por recorrer y lo quería recorrer en el menor tiempo posible, ya no era una jovencita y me urgía aprender rápido. Me decía a mi misma "Si pinto más horas al día, en tres años pintaré lo que hubiera pintado en diez".

Esos eran los planteamientos que me hacía. Y además para aprender tenía que experimentar y a eso dediqué esos tres años intensivos, a experimentar, investigar, pintar y despintar, manchar, estropear..., o sea al puro experimento. Probé técnicas diversas, algunas imposibles de compaginar sin hacer peligrar la durabilidad de la obra. Las leyes básicas de la pintura casi no existían para mí. Una de las anécdotas que recuerdo de ese tiempo, es que un día pinté un lienzo y le dí cera caliente encima con una espátula y luego lo enrolle y me fuí orgullosa de mi obra, a ver a un galerísta. Cuando llegué a la galería desplegué el lienzo ante el galerísta y empezaron a caerse los trozos de cera al suelo.

¡Que bochorno! Salí de la galería un poco conmocionada de la situación vivída, pero cuando llegué a casa me reí a carcajadas, recordando la escena.

Durante esos años y posteriores una cosa siempre tenía en mente, crear mi mundo personal. Por raro que fuera. Mucha gente me decía que le parecía raro lo que pintaba o que le inquietaba lo que veía en mis pinturas. Pero esa era mi simbología, mis imágenes. La estética que me había de servir para contar lo que quería contar.

La frase vino a reforzar lo que yo pensaba que tenía que hacer en esos momentos de dudas de todo comienzo. He aquí la frase:

"He repetido en diversas ocasiones que solamente los mundos personales e unívocos creados por los propios artístas son los únicos capaces de salir adelante, ajenos a las corrientes de moda que cada día más, nos invaden". Joan Gil (Crítico de arte)